Los diez mejores libros de arte de 2022

Este mes, nuestros editores y escritores han reflexionado sobre sus libros de arte favoritos de 2022: escritos de artistas, fotolibros, monografías y catálogos de exposiciones con obras de Alison Knowles, Shala Miller, Robert Motherwell y otros.

“El canon es cada polla empujada contra la espalda de una mujer en un tren lleno de gente”, el Manifiesto SCUMB de Justine Kurland hierve en su cubierta roja de alarma infestada de texto. "Voy a por ti con una espada". Utilizando el collage como una forma de empalar la mirada masculina, SCUMB (Society for Cutting Up Men's Books) de Kurland desmantela el lenguaje visual cortando 150 de sus propios fotolibros con artistas masculinos: el juego de muñecas de papel se volvió furioso, implacable y astuto. Un homenaje al Manifiesto SCUM de Valerie Solanas, el texto feminista radical escrito por un revolucionario/vagabundo marginal es un pilar tan galvanizador y resonante como siempre. La poeta e intérprete Ariana Reines equipara las imágenes de Kurland con “el piso de la sala de montaje de un adolescente Kenneth Anger” y “la imaginación femenina surrealista de Leonor Fini o Dorothea Carrington”. El ensayo de la galerista y curadora Marina Chao ve el trabajo de Kurland al mismo tiempo como un “mandala de vagina” y “como la ruina de cierta educación fotográfica”. Chao ensalza el nuevo poder del collage como reapropiación feminista: "Si bien el gesto inicial del collage canaliza la violencia, la acción final es una metáfora de reparación, revisión y potencialidad".

-Sarah Moroz

“Si pudiera responder a las preguntas que planteas en tu carta”, escribe la poeta Bernadette Mayer a su hermana, la artista Rosemary Mayer, “estaría más allá de la filosofía. Lo cual me gustaría ser”. Característica de los intercambios epistolares entre las dos hermanas Mayer recopilados en Las cartas de Rosemary y Bernadette Mayer, 1976-1980, las palabras de Bernadette exponen la naturaleza generativa de su correspondencia. Las cartas de los Mayer son todo lo que se espera de las buenas cartas: confesionales, filosóficas, cotidianas, a veces divertidas y, a menudo, sobre el amor. Durante su intercambio de cuatro años, Rosemary informa noticias de Nueva York, a menudo transmitiendo pepitas de chismes del mundo del arte o actualizaciones sobre nuevos proyectos, como su serie de instalaciones específicas para un sitio que llamó “Monumentos temporales”. Desde el aislamiento de su país en Nueva Inglaterra, Bernadette escribe florecientes evocaciones de la maternidad, a partes iguales poema y carta. Se repiten las discusiones sobre dinero. Entre todas las conversaciones cotidianas, su deseo compartido de colaborar (hacer arte y compartirlo) es la raíz de su intercambio. Incluso si nunca has oído hablar de Rosemary o Bernadette Mayer, el libro te encantará de todos modos, porque sus cartas pueden leerse como una especie de manual de cómo ser.

–Noa Wesley

Álbum de recortes, diario y revista de cómics a partes iguales, Time Zone J de Julie Doucet llama la atención sobre las peculiares posibilidades del medio libro. Gráfica y compositivamente, sin embargo, Zona horaria J va más allá de los límites físicos de la página, hasta el punto de que la densidad estilística exige una nueva forma de lectura: “Este libro fue dibujado de abajo hacia arriba”, nos instruye Doucet. “Por favor, lea en consecuencia .” Los ojos del espectador se dirigen al final de la página, y luego debe seguir estas líneas, de izquierda a derecha, antes de moverse lentamente hacia la parte superior de la página; Por lo general, estas secuencias son de cabezas parlantes, iteraciones del yo de Doucet de 55 años, reflexionando sobre un romance epistolar, 32 años antes. Debido a que Doucet prescinde del canal de los cómics, el espacio entre paneles que proyecta una secuencia temporal lineal, la densa materialidad de la imagen reorienta el proceso de lectura y visualización. El pasado, el presente y el futuro están reunidos en una sola página.

-Wyatt Sarafin

En 1963, la artista de libros, artista Fluxus y artista de performance Alison Knowles completó lo que muchos consideran el primer libro, Bean Rolls, un “libro enlatado” que contenía varios frijoles reales y pequeños rollos de textos impresos con diversos datos sobre los frijoles. En 1967 presentó El Libro Grande, una instalación de libros de tamaño natural por la que los lectores podían caminar, gatear y atravesar. Estas son sólo dos de las muchas obras de Knowles documentadas en su primera monografía de estudio escrita por Alison Knowles para acompañar la exposición en el Berkeley Art Museum y el Pacific Film Archive. El libro no es sólo un registro necesario y esperado de la vida y obra de este artista multimedia, sino también un libro de arte bellamente diseñado en sí mismo. Organizado cronológicamente, está repleto de excelentes reproducciones de archivos, imágenes de instalaciones e imágenes de libros impresos y librerías. Además, cada ejemplar tiene una portada única, una “preparación que se produce durante la impresión de las páginas interiores”. Los divisores de sección del libro incluyen recortes que reflejan las formas multidimensionales del propio trabajo de Knowles, no como un truco, sino como un recordatorio constante de que también tenemos una obra de arte en nuestras manos. Por Alison Knowles empuja inteligentemente el catálogo de la exposición hacia la forma de un libro de artista, un impulso apropiado para el trabajo de una figura tan fundamental en este campo.

–Megan N. Libertad

Pesado, sin duda, pero este volumen vale cada gramo. Sólo la elegante introducción de Katy Rogers podría ser introducida y esclarecedora: nada te pesa. Dibujar en su inmediatez, como acto y objeto, el papel como material elegido: “Supongo que ha habido más papel en mi vida que cualquier otra cosa”, dice Motherwell, ya que pone el arte al alcance de todos. Su “calidez vibrante” rezuma bajo las creaciones incluso en el vacío, mientras que el espacio vacío sirve al pintor como un arma poderosa, vivificante. La vitalidad abunda en las imágenes posteriores del artista, que contienen sus “sentimientos en capas” y respuestas. Desde el arte multidimensional hasta el arte conceptual más plano, siempre en relación con los límites, el tono emocional sigue siendo alto. Las elegías agonizantes, desesperadas y cercanas a la muerte nos llegaron a muchos de nosotros primero. Dibujos automáticos, piense en el surrealismo, piense en un "yate de carreras, atravesando el océano". Inolvidable, para este público intelectual, su experiencia del Zen.

-Mary Ann Caws

Tender Noted, de Shala Miller, entrelaza viñetas profundamente personales, aunque íntimamente familiares, sobre el dolor y la conexión. A través de cartas, letras, historias de ficción y poesía, Miller medita sobre la pérdida, tanto personal como colectiva: la de su padre en 2019, la catastrófica pérdida de vidas desde el comienzo de la pandemia y el duelo continuo por la vida de los negros en Estados Unidos. visto y sentido internacionalmente en el verano de 2020. Al considerar estos momentos no como puntos dispares en el tiempo sino como ecos experienciales interconectados, Miller elabora una metáfora adecuada para la desorientación del duelo. Tanto en forma como en contenido, la piel emerge como otra metáfora, un recipiente para la memoria, el dolor y la curación dentro del libro, encerrada en papel similar a un cartón con estrías de color rojo sangre a lo largo del borde anterior, y una ilustración titulada “Chica rota, saltando rota”. cuerda” grabado en su cubierta. Si bien la reflexiva narración y los testimonios fotográficos de Miller señalan los orígenes etimológicos de la palabra duelo (ser pesado, agobiar, gravar, dañar, oprimir), ella revela cómo el proceso real del duelo no está atado a su raíz. De este proceso, Miller extrae momentos de alegría, celebración y tranquilizadores momentos de réquiem. Tender Noted crea un espacio muy necesario para el duelo, que en sí mismo puede ser un proceso de recordar, de volver a uno mismo a través de un acto continuo de curación.

–Cristiano real

La premisa de Heat of Sand parece simple: entre 2017 y 2019, Satoshi Tsuchiyama fotografió los paisajes urbanos y remotos de Israel y Palestina a través del lente de la danza contemporánea. Sin embargo, con un diseño bien pensado y una secuencia lírica, Tsuchiyama y Witty Books han creado algo que desafía una caracterización fácil. Imágenes de cuerpos detenidos en movimiento generan ecos rítmicos en los entornos naturales y construidos por igual, y al contrastar los movimientos fluidos de los bailarines con imágenes extrañas e inquietantes del espacio arquitectónico, lo que vemos no es la mejora de la belleza urbana, sino más bien su mayor complicación y alejamiento de nosotros. En estas páginas, el paisaje desértico parece contener el tiempo y la historia en sus olas de arena, formaciones rocosas escarpadas y vastas líneas del horizonte, y el papel y el grano de la imagen expresan consistentemente estas cualidades de una manera táctil, haciendo que lo transhistórico se sienta palpablemente real.

–Zach Ritter

Pòtoprens: The Urban Artists of Port-au-Prince es un impresionante libro bilingüe (inglés y criollo haitiano) de 416 páginas que documenta la exposición homónima que se celebró en Pioneer Works en 2018. Coorganizada por el artista y curador haitiano-estadounidense Edouard Duval. -Carrié y la fotógrafa y curadora británica Leah Gordon, la exposición presentó una variedad de artistas contemporáneos de todo Puerto Príncipe, ocupando tres pisos del cavernoso espacio de la organización de Brooklyn. Para la publicación, Gordon, quien también es co-curador de la Bienal del Ghetto de Haití, se asoció con el escritor y geógrafo Joshua Jelly-Schapiro. Reflejando el diseño de la exposición, que se benefició del enfoque cartográfico de curaduría de Duval-Carrié y Gordon, los artistas perfilados están organizados según las áreas de la ciudad donde mantienen sus estudios, ofreciendo así una visión de la ecología de la escena artística local. Identificados como “zonas” por los curadores de la exposición, estos vecindarios se caracterizan por grupos de artistas que trabajan con tradiciones y formas compartidas, a menudo como resultado de historias sociales específicas. Todos los artistas incluidos, sin embargo, se basan en la rica y compleja cultura visual de Haití, en particular su combinación de influencias religiosas, políticas y estéticas a lo largo de la turbulenta historia del país. Un tema recurrente a lo largo del libro (y de la exposición) es que los artistas “urbanos” de Haití pertenecen a un asombroso linaje de lucha, resistencia y firmeza que comenzó mucho antes de su surgimiento como la primera república liderada por negros a finales del siglo XIX. Los programas de encuestas centrados geográficamente y las publicaciones que los acompañan rara vez ofrecen tanta profundidad; por el contrario, a menudo rozan la etnografía. Pòtoprens: Los artistas urbanos de Puerto Príncipe logra maravillosamente evitar esta trampa y sirve como el caso de estudio perfecto de cómo los curadores y editores encargados de este tipo de proyectos pueden producir algo significativo.

–En algún lugar Farhat

La artista Carmen Winant es conocida por su trabajo con archivos fotográficos e imágenes encontradas. Recortando, pegando, cortando y reorganizando collages impresos, libros, películas e instalaciones, revela las múltiples narrativas contenidas en los documentos. A Brand New End: Survival and Its Pictures continúa esta práctica, centrándose en el archivo de Women In Transition, una colección de materiales relacionados con la violencia doméstica recopilados por el grupo de defensa con sede en Filadelfia. Winant completa A Brand New End con recortes de noticias con titulares como “Noches violentas” y “dueño de salón asesinado a tiros por su novio”, reproducidos en papel frágil muy parecido al papel de periódico original. Las fotografías de mujeres leyendo literatura informativa y recibiendo asesoramiento y diapositivas de 35 mm que documentan sus lesiones están contextualizadas por ensayos críticos de académicos y reflexiones de otros artistas, incluidos Catherine Opie y Suzanne Lacy. Este libro, catálogo para una exposición complementaria en The Print Center, también actúa como un importante recordatorio del legado de la violencia de género y una celebración de las historias perdurables de las mujeres.

–Megan N. Libertad

Como solemos preguntar: ¿cuál es el papel de un curador? ¿Deben ser buenos como “cuidador”, como sugiere la palabra, y como burócrata? ¿Podemos agregar los siguientes elementos esenciales a la función extendida, por ejemplo, poseer una memoria visual enciclopédica de las obras de arte vistas y la capacidad de instalarlas en cualquier lugar con un aura de elevación visual? sentirse como en casa en el estudio del artista; tener un profundo sentido de curiosidad por el arte e igualmente un profundo sentido de respeto por la forma en que los artistas hacían su trabajo.

Michael Auping es uno de esos pocos curadores que parece haber dado tales atributos a sus arsenales curatoriales desde el principio. “No empieces a hacer preguntas a los artistas sobre su arte o el de cualquier otra persona hasta que lo hayas examinado detenidamente. A los artistas no les gusta que la gente busque atajos que no se les han permitido”. O “Cómo los artistas se convierten en artistas es tan fascinante como misterioso, en parte porque incluso… no están del todo seguros de cómo llegaron a ser artistas”. Ésas son las sabias palabras de Auping durante sus cuarenta años de observar de cerca las obras de arte, de estar, trabajar y hablar con artistas. Este libro se divide en diez temas: Inicios; Las dimensiones del dibujo; Retratos; Paisaje: Todo Terreno; Color; El estudio; Figuras del lenguaje; Luz y Espacio; Abstracción; Llegar tarde. Moviéndose entre los temas de las experiencias humanas y los temas del arte, Auping realizó una amplia selección de artistas, entre los que se encuentran Tadao Ando, ​​Georg Baselitz, Louise Bourgeois, Vernon Fisher, Jess, Agnes Martin, Bruce Nauman, Susan Rothenberg, Julian Schnabel, Sean Scully, Frank Stella, Jonathan Borofsky, Cai Guo-Qiang, Ellsworth Kelly, William Kentridge, Sol LeWitt, Richard Serra, Scott Burton, Lucian Freud, Anselm Kiefer, Ed Ruscha, Laurie Simmons y John Chamberlain. Entre otros nombres conocidos, como Francesco Clemente, Mark Bradford, Jenny Holzer, James Lee Byars, Lawrence Weiner y Christopher Wilmarth, se incluyeron deliciosamente en la mezcla dos poetas, Robert Creeley, Robert Duncan y un compositor, Morton Feldman. Aunque este libro se publicó en 2018, disfruté leyéndolo una y otra vez. Sin necesidad de leerlo en orden cronológico, sea cual sea la entrevista o el capítulo uno, el contenido está repleto de intrigas, ingenio y, en ocasiones, declaraciones profundas sobre los viajes y experiencias de la vida. De hecho, es mi recomendación de lectura para las vacaciones.

–Phong H. Bui